Polyptych Cube

Polyptych Cube acrilico e marker, scultura in legno, 40 x 40 x 40 cm, 2026

Polyptych Cube nasce da una riflessione sulla natura mutevole dell’identità, sull’enigma della percezione altrui e su quella corrispondenza, tanto intima quanto imperscrutabile, che intreccia pensiero, memoria e parola. L’opera assume le sembianze di un cubo ligneo, sulle cui quattro facce affiorano altrettanti ritratti, due maschili e due femminili. Una geometria essenziale, quasi arcaica, che custodisce nella propria apparente semplicità una molteplicità di esistenze possibili, un racconto destinato a sottrarsi a qualsiasi interpretazione definitiva.

Due incisioni orizzontali attraversano il cubo, suddividendolo in tre sezioni equivalenti e indipendenti, ciascuna libera di ruotare attorno al proprio asse. I volti smarriscono così la propria fisionomia originaria, si incontrano, si sovrappongono e si ricompongono in sembianze inattese. Ogni rotazione sovverte l’ordine precedente, disvelando affinità insospettate, contraddizioni e nuove corrispondenze. Nessuna immagine possiede il privilegio di essere definitiva, nessuna combinazione può considerarsi compiuta. La figura permane in una condizione liminale, sospesa tra riconoscibilità e metamorfosi, proprio come l’identità umana, irriducibile a una rappresentazione univoca di sé.

La tripartizione dell’opera risponde a una precisa meditazione sulla natura dell’esperienza. Ciascuna sezione custodisce una dimensione dell’esistenza, delineando un itinerario che attraversa il pensiero, la memoria e il linguaggio. Tre territori distinti eppure indissolubili, nei quali si sedimentano le molteplici manifestazioni della coscienza.

La parte superiore appartiene al pensiero, a quella dimensione recondita e insondabile nella quale la realtà viene incessantemente interpretata, trasfigurata, ricordata e immaginata. Ogni individuo contempla il mondo attraverso il proprio vissuto, le inquietudini che lo abitano e gli aneliti che ne orientano la coscienza. Modificare questa sezione significa allora insinuarsi, almeno idealmente, nell’universo mentale altrui, assumere una prospettiva sconosciuta e interrogarsi su quanto di ciò che reputiamo reale non sia, in verità, una proiezione della nostra percezione. È il territorio delle intuizioni repentine, delle divagazioni dell’immaginazione e di quei pensieri che mutano direzione senza preavviso, anticipando talvolta la nostra stessa capacità di comprenderli. Un universo ineffabile, nel quale persino le certezze più adamantine possono dissolversi dinanzi a una diversa interpretazione dell’esistenza.

La parte centrale evoca la memoria dei luoghi, una geografia interiore nella quale persone, paesaggi e avvenimenti persistono oltre la loro dimensione transeunte. Un odore può restituire improvvisamente una strada percorsa molti anni prima, la penombra di una casa, il fervore di una stagione lontana o la presenza di qualcuno che non incontriamo più. La memoria non obbedisce a una successione ordinata, ma riaffiora attraverso reminiscenze e associazioni imprevedibili, trascinando il presente verso territori che credevamo dimenticati. In questa sezione si raccoglie il significato più profondo del viaggio, inteso non soltanto come attraversamento fisico dello spazio, ma come incessante peregrinazione tra ricordo e immaginazione. Ogni individuo custodisce una propria topografia invisibile, fatta di luoghi perduti, atmosfere sospese e paesaggi che continuano a esistere anche quando il tempo ne ha cancellato ogni testimonianza tangibile. La memoria diviene così il sostrato silenzioso dell’identità, una stratificazione di esperienze che sopravvive alle trasformazioni dell’esistenza.

La parte inferiore introduce la parola, il tramite attraverso il quale il pensiero abbandona la propria solitudine per consegnarsi all’alterità. Parlare significa conferire una forma intelligibile a ciò che altrimenti rimarrebbe inesprimibile, ma anche esercitare una scelta tra ciò che desideriamo disvelare e quanto preferiamo custodire nel silenzio. Il linguaggio possiede una natura profondamente ambivalente: può avvicinare quanto separare, preservare una verità oppure alterarla, manifestare un sentimento o tradirne involontariamente il significato. Le parole ci rappresentano senza riuscire mai a contenerci interamente. Esiste sempre uno scarto tra ciò che pensiamo, ciò che pronunciamo e ciò che l’altro comprende. Modificare questa sezione equivale allora a immaginare una voce differente, un altro temperamento, una diversa sensibilità attraverso la quale la medesima esistenza potrebbe essere narrata in maniera radicalmente nuova.

Dall’interazione di queste tre dimensioni scaturisce un singolare enigma visivo. Pensieri, reminiscenze e parole si scambiano di posto, generando identità mai esistite e tuttavia attraversate da una familiarità quasi perturbante. L’opera invita a immaginare due persone, un uomo e una donna, magari realmente conosciute, e a sovrapporne idealmente le esistenze. Come muterebbe il loro rapporto se ciascuno potesse contemplare il mondo attraverso la coscienza dell’altro, riconoscerne i luoghi mediante una memoria estranea e pronunciarne i pensieri con una voce differente? Dove terminerebbe l’uno e dove avrebbe principio l’altra? È un’aporia dell’identità, una contraddizione che non reclama necessariamente una soluzione, ma apre alla possibilità di riconoscere nell’altro qualcosa di sé.

Questo procedimento trova una suggestiva corrispondenza nella sperimentazione letteraria del cut-up, nella quale parole e proposizioni estrapolate da testi differenti vengono ricomposte secondo un ordine inedito, generando narrazioni estranee alle intenzioni originarie dei loro autori. DutyGorn sembra trasporre questo principio dalla letteratura alla pittura, sostituendo alla sintassi delle parole quella dei lineamenti. Il racconto si emancipa dalla pagina scritta e acquisisce una presenza materica, affidata al colore, alla struttura e al movimento. Ogni rotazione diviene una frase riscritta, ogni accostamento una digressione inattesa, ogni nuova fisionomia l’incipit di un’esistenza immaginaria. I personaggi mutano, si confondono e si susseguono, mentre la narrazione prosegue senza approdare a un epilogo prestabilito.

Nell’ambito della ricerca artistica di DutyGorn, Polyptych Cube riconduce il polittico a una condizione primordiale, quasi a voler risalire all’origine stessa della scomposizione. Il taglio, netto e deliberato, non costituisce una mutilazione dell’immagine, ma un gesto capace di metterne in discussione l’apparente integrità. Ciò che viene separato non perde necessariamente il proprio significato; può, al contrario, acquisirne uno ulteriore attraverso l’incontro con ciò che inizialmente gli era estraneo. La scomposizione si rivela così il presupposto di una continua ricomposizione, una sorta di palingenesi dell’immagine nella quale ogni nuova configurazione conserva la memoria di quelle precedenti. La pittura si sottrae alla propria immobilità, mentre il ritratto, tradizionalmente concepito come testimonianza di una presenza, diviene una struttura mutevole, capace di accogliere identità molteplici.

La forza icastica dei quattro volti convive con l’instabilità della loro configurazione. Il colore, lungi dall’assolvere una funzione meramente descrittiva, concorre alla costruzione di nuove corrispondenze visive, accompagnando il passaggio da una fisionomia all’altra. La materia pittorica diviene parte di un linguaggio nel quale l’ordine geometrico e l’imprevedibilità delle combinazioni instaurano una tensione incessante. L’opera vive così di una singolare dicotomia: possiede una struttura rigorosa, quasi immutabile, eppure custodisce un’immagine destinata a trasformarsi continuamente.

Vi è, tuttavia, una questione ancora più profonda che attraversa l’intera composizione: quanto di noi appartiene veramente a noi stessi? L’identità si nutre degli sguardi incontrati, dei luoghi attraversati, delle parole ascoltate e di quelle che, inconsapevolmente, abbiamo assimilato. Ogni relazione deposita una traccia, ogni esperienza modifica impercettibilmente il modo in cui riconosciamo noi stessi e interpretiamo gli altri. Siamo il risultato di una sedimentazione continua, un intreccio di presenze e assenze, di reminiscenze e intuizioni, di esperienze vissute e possibilità soltanto immaginate.

Polyptych Cube non si limita dunque a rappresentare quattro volti, ma interroga la possibilità stessa di riconoscersi in un’esistenza differente dalla propria. Chi si trova dinanzi all’opera non è relegato alla condizione di semplice osservatore, ma viene chiamato a intervenire, scegliere e immaginare. Il gesto di ruotare una sezione assume il valore di un esercizio di immedesimazione, quasi un tentativo di oltrepassare la soglia invisibile che separa una coscienza dall’altra. Ogni movimento modifica l’immagine, ma soprattutto rinnova l’interrogativo su ciò che rende un individuo riconoscibile, unico e al tempo stesso irrimediabilmente legato agli altri.

Forse è proprio in questa impossibile coincidenza tra individui che risiede il significato più intimo dell’opera. L’identità non è una forma adamantina, sottratta alle ingerenze del mondo, ma una condizione permeabile, continuamente esposta all’incontro e alla trasformazione. Non siamo mai soltanto ciò che crediamo di essere, ma anche ciò che abbiamo accolto, perduto, ricordato e dimenticato.